Jesca Hoop @ Blackmarket, Unplugged in Monti, Roma

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Ieri sera, 25 maggio 2017, Jesca Hoop ha tenuto il suo primo concerto in Italia nella singolare ma terribilmente affascinante atmosfera del Blackmarket, a via Panisperna, Roma, organizzato da Unplugged in Monti. Questo è, di per sé, un elemento di profonda tristezza: è terribile che una come Jesca Hoop, una splendida signora di 42 anni portati meravigliosamente, che ha alle spalle una carriera decennale, 4 album solisti, uno in collaborazione, qualche EP, un paio di dischi di rivisitazioni ed un’attività live che la pone tra quelle che farebbero venire la pelle d’oca ad una lastra di vetro, a Roma non riesca a smuovere un pubblico superiore alle 50-60 persone, di cui diverse più per il richiamo dell’organizzatore (superlativo come sempre, comunque) che dell’artista. Sconcertante che una parte dei presenti, una mezza dozzina di persone chiaramente capitate lì per errore, se ne sia andata prima della fine e non particolarmente incoraggiante che ci fosse chi ogni tanto abbandonava il suo posto per andare a prendere da bere nella sala accanto.

C’è da dire una cosa, comunque: Jesca Hoop non la conosce nessuno perché non è promossa. Non si è nemmeno mai esibita su KEXP, la radio di Seattle che oramai è diventata un faro nella divulgazione della musica indipendente. Ma ieri, alla fine del concerto, quando con la sua mise vaporosa si trovava fuori dal Blackmarket a fare quattro chiacchiere col suo pubblico ed a firmare dischi e poster, quelli entusiasti erano la maggioranza schiacciante.

Il concerto, dicevamo. Siccome al Blackmarket devono smontare tutto entro una certa ora, Jesca Hoop è stata mandata sul palco alle nove e un quarto. Lo ha raggiunto con qualche difficoltà, visti l’ingresso unico per spettatori ed artisti, un vestito ingombrante e le sedie e gli sgabelli per il pubblico sistemati in sala stile Tetris. Erano in due a suonare: Jesca, con voce e chitarra, e Corona, con chitarra, bodhran e voce. La qualità vocali della Hoop sono quelle che sono: discreta estensione, buon controllo, potenza scarsa. Anche le sue virtù come strumentista risultano adeguate ma non molto di più. Ma il punto non è questo.

Il punto è che Jesca Hoop è oltre tutto ciò. Lei compone, scrive, suona, canta e si esibisce perché ha bisogno di farlo e perché lo sa fare. È una delle tante prove viventi che non conta quanto sei capace di fare, ma come lo fai. Jesca Hoop non sa cantare e suonare nel senso che ha i mezzi tecnici di una professionista di livello, ma nel senso che sa creare un’atmosfera e riempirla di sé stessa e delle sue emozioni, sa farlo in modo originale e creativo e sa coinvolgere chi ha davanti in modo immediato e diretto, ma non banale e scontato.

Chi è andato al Blackmarket a cercare la perfezione esecutiva, l’originalità sonora, la complessità compositiva, ieri è rimasto deluso. Chi ci è andato alla ricerca di una serata intensa, elegante, soffice e malinconica, si è trovato a casa. Una dozzina di brani da svariati lavori, alcuni dalla sua ultima pubblicazione, “Memories are now”, ma anche da “Hunting my dress” (una “Tulip” sontuosa), datato 2009, e un paio dal preziosissimo “Snowglobe” (“City bird”, cazzo!), EP del 2011; in qualche modo pezzi unici per ispirazione, umore e scelte di produzione, eppure ieri sera sarebbe stato difficile, per uno che non l’aveva mai sentita, riconoscere un pezzo recente da uno più datato: semplicemente, Jesca Hoop si è calata in un’atmosfera, un sentimento dolce, scuro e carezzevole e lo ha dipinto aggiungendo una pennellata dopo l’altra, cullando e coccolando i suoi ospiti.

Avrebbe potuto continuare a suonare per sei ore, nessuno si sarebbe stancato. Non è una musica che sfinisce, quella di Jesca Hoop, e lei non è il tipo di artista che mette chi la ascolta davanti all’abisso. Rachael Yamagata lo fa, e da un suo live si esce a pezzi. Jesca ti coccola, ti seduce e ti porta in un mondo notturno, vagamente dimesso e bellissimo. E fa lo stesso quando parla – sottovoce, con classe ed eleganza, riesce ad essere fine persino quando ti da indirettamente del “motherfucker”.

Non si esce distrutti da un concerto del genere. Si esce sedotti, riempiti, rilassati, anche se si avrebbe voluto avere di più. Si esce a fare due chiacchiere, tra di noi e con lei, a stringerle la mano ed a ringraziarla per la serata, bellissima e sottile, dolce e memorabile. Un concerto meraviglioso, un’artista meravigliosa.

Lhasa

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Qualche giorno fa, passando dalla libreria in via Nazionale a Roma, fu Mel Bookstore, fu IBS, attualmente IBS Libraccio (con relative tessere fedeltà passate sequenzialmente a miglior vita), andai a dare una scorsa al reparto dei cd usati e la mia attenzione fu attirata da un CD: copertina color cartone, con l’immagine stilizzata di una donna che sorride, una sola parola di cinque lettere scritta in maiuscolo con carattere da macchina da scrivere – “Lhasa”, il nome della capitale del Tibet. L’avevo già visto da qualche parte, ma non ricordavo dove e a cosa lo associavo, quindi non azzardai l’acquisto a scatola chiusa, nonostante il prezzo irrisorio (7 euro), anche perché l’acquisto dei CD è per me oramai un problema di spazio molto più che di prezzo.

Lhasa, ovviamente, oltre che una città, è una persona. O più precisamente era, visto che la povera Lhasa De Sela, cantante blues-folk americana di origini messicane e basata in Canada, è morta di cancro al seno il primo gennaio 2010 all’età di 37 anni, dopo una vita da hippy vera – rimasta senza nome fino ai cinque mesi, educata a casa da una famiglia in continuo spostamento, raminga tra Stati Uniti, Canada e Francia, autrice di tre dischi pubblicati uno ogni sei anni, in mezzo tournée ed altro compresi lavori nel circo con le sorelle.

Il disco che porta il suo nome è datato aprile 2009, otto mesi prima che se ne andasse. Dalle informazioni biografiche trovate su internet, non si capisce bene se si tratti di un disco di addio (si parla di una battaglia di 21 mesi contro la malattia, che suggerirebbe di sì, e di una diagnosi ricevuta dopo aver chiuso le registrazioni dell’album, ma prima di pubblicarlo, che suggerirebbe di no), certo è che lo sembra. I colori della copertina, la grafica scelta per il suo ritratto, l’espressione sorridente e pacifica, il suo nome stampato in alto a destra, tutto pare concorrere a dipingere una specie di de profundis, un ricordo “in loving memory”.

Per non parlare della musica. Lhasa ha (aveva) una voce bassa, profonda, intensa, liquida e triste, ed in questo disco l’ha usata per brani lenti, a volte minimali, spesso dimessi e mai comunque pieni e travolgenti. Dodici pezzi, una cinquantina di minuti, nessuna concessione alla masturbazione strumentale, né a quella vocale, il cui demone ogni tanto si impossessa di chi fa blues. Intensità, malinconia, bellezza. Un disco un po’ da taglio delle vene, ma non come quelli di Nick Cave, quelli da metter su alle tre del mattino, cadere in depressione e suicidarsi (citazione da “E morì con un felafel in mano”), quelli del dolore straziante e finanche glorioso, no: di quelli che ti fanno guardare nell’abisso, lentamente, inesorabilmente, che ti spogliano, ti mettono di fronte a te stesso e ti fanno pensare che in fondo si potrebbe scivolare via silenziosamente, in silenzio, in pace.

O forse no. Forse non ne vale la pena, non fosse altro che per continuare ad essere cullati dalla voce di Lhasa, dal suo cantato, dalla sua musica, dalle sue melodie malinconiche, disperate e bellissime, affascinanti, profonde.

Dopotutto sono proprio questo, la tristezza, la malinconia, ed è questa la loro bellezza e la loro importanza. Qualcosa che ti lega alle tue emozioni, anche le più dure, e ti permette di viverci, di viaggiarci assieme senza essere sopraffatto dal dolore, dalla paura, dall’ansia e senza seppellirle, fuggirle, rifiutarle furiosamente fino a quando non presentano il conto. A questo servono, artisti come Lhasa De Sela, opere come il suo disco eponimo: ad accarezzarti mentre guardi nell’oscurità, a farti vedere che c’è una luce, finanche ad essere quella luce, che ti accompagna, ti accarezza e ti guida. Un album sensazionale, meraviglioso.

Un album che, ovviamente, ora fa parte della nutrita schiera di CD che non so dove mettere.

Casualties Of Cool live alla Union Chapel, Londra

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Prima che giustamente lo rimuovano per violazione del copyright (soprattutto essendo facilmente reperibile in commercio l’edizione originale del disco contenente il DVD), consiglio a chiunque passi su queste pagine di dare un’occhiata al concerto integrale di Casualties Of Cool riportato qua sotto.

Casualties Of Cool è un progetto nato dalla mente di Devin Townsend, vulcanico genio del caos, membro di band di metal estremo come gli Strapping Young Lad, signore dei grunts e dei growl che utilizza diffusamente ed in modo quantomeno originale, autore di opere metal-progressive incentrate su uno strano tizio alieno, Ziltoid l’onnisciente, vocalist su “The human equation” di Ayreon nella parte della rabbia per la quale Lucassen gli ha fatto scrivere le partiture ed il testo, animale da palcoscenico fortemente emozionato nel suonare le sue composizioni, fan, come chiunque dotato di orecchie funzionanti, della voce di Anneke Van Giersbergen.

Solo che Casualties Of Cool non è un progetto metal, non è un progetto caotico, grunts e growl non c’entrano quasi niente. Townsend l’ha descritto come “Johnny Cash infestato dai fantasmi”: sarebbe un ottimo motivo per tenersene alla larga, solo che lui è un genio che sa scrivere e soprattutto sa interpretare musica, ed in più c’è una vocalist ospite sostanzialmente sconosciuta, tale Ché Aimee Dorval, che ha una voce da pelle d’oca, calda, elegante, suadente e meravigliosa, è capace di usarla e Townsend è consapevole di quello che vuole da lei.

Su youtube di Casualties Of Cool c’è anche il disco in versione integrale – da tempo, e non è mai stato rimosso. C’è addirittura il secondo disco dell’edizione speciale, che di fatto è un altro album, con le medesime atmosfere. Ma se uno deve investire del tempo a scoprire un progetto davvero molto strano, evocativo, misterioso e terribilmente scuro, tanto vale che se ne veda l’edizione dal vivo. L’album è eseguito sostanzialmente in forma integrale, con qualche avvicendamento e qualche variazione nella scaletta (il che per un concept album è singolare) e, come dicevo, Townsend sul palco ci sa stare e sceglie strumentisti preparatissimi che lo completano senza fargli ombra; inoltre, in questo caso, ha al suo fianco una ninfa meravigliosa, a cui lascia spesso il centro dell’attenzione e che a volte prende letteralmente il volo, come ad esempio sul finale di “Moon” (attorno al quarantesimo minuto), sovrastando tutto quello che ha attorno, davanti, dietro, sopra, sotto e chissà in quale altro posto. Pazzesca, incredibile.

Veramente, il concerto va visto, va ascoltato e va assaporato. Anche se le riprese video sono quello che sono (in effetti bisognerebbe ridurre la luminosità ed aumentare saturazione e contrasto). È davvero necessario ascoltare le atmosfere create da Townsend e sviluppate sul palco da una grande band, lasciarsi trasportare nel suo mondo mai come in quest’opera desolato e malinconico, nella sua musica per una volta suadente, notturna, evocativa, ma soprattutto è necessario innamorarsi perdutamente di Ché Dorval, rimanere imbambolati a chiederle di andare avanti, di non fermarsi mai, di continuare ad entrarci dentro ed a scuotere, rivoltarci l’ anima.

Guardatelo.

 

Unplugged in Monti: Kristin McClement @ Black Market, 2/2/2016

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Non conoscevo Unplugged in Monti fino ad un mesetto fa. Ci ha pensato un’amica ad introdurmi nel magnifico mondo dei private concert nel primo rione della capitale, segnalandomi per il 2 febbraio Kristin McClement, questa artista british creativa e malinconica dalla voce bassa e i toni scuri.

Al Black Market, in via Panisperna. Non c’ero mai stato. La sala, oltre il pub, è piccolissima, contiene una sessantina di persone sedute, su pouff nelle prime file, su sedie stipate da metà in poi. Si sta un po’ stretti, ma la sensazione di intimità è fortissima. I volumi sono contenuti e l’idea è proprio che si stiano facendo quattro chiacchiere con chi sta sul palco. C’era anche gente in piedi.

Ha aperto la serata un tizio che al Black Market si era esibito lunedì, tale Luke Winslow-King. Un po’ country, un po’ blues, era sul palco con una chitarra acustica e un partner che lo accompagnava con una seconda acustica, spesso suonata con tecnica slide, davvero bravo. Simpatici, anche nel tentativo di coinvolgere il pubblico, ma proprio non è il mio genere. Per quello che mi riguarda, può andare bene per un quarto d’ora quando quello che suona sa quello che fa, non di più. Winslow-King è rimasto sul palco per circa 50 minuti, poi ha salutato, lasciando la sala a Kristin McClement. Lei è arrivata dopo pochi minuti, con le sue chitarre, una acustica ed una elettrica (ma come, non era “Unplugged”?) ed un batterista che suonava anche la tromba ed una tastiera. D’altra parte, il suo finora unico album, “The wild grips”, di suoni ne ha davvero parecchi, sarebbe stato un peccato troncare tutto limitandosi a voce, acustica e percussioni.

Incredibilmente, nonostante la McClement fosse il clou della serata, la sala ha perso pubblico – e veramente non me ne capacito. Lei ha iniziato in sordina, nel senso che per qualche secondo proprio non si è capito che il concerto stava effettivamente iniziando, il profilo dell’attacco è stato talmente basso (con anche una cassa momentaneamente fuori uso) che sembrava lei ed il factotum al seguito stessero accordando gli strumenti.

Il concerto, un’ora abbondamente in cui Kristin ha suonato praticamente tutto “The wild grips” e la title track dall’EP “Pursue the blues”, è stato la quintessenza dell’intimità. Un po’ come il disco, per dire la verità, e non è per niente scontato che un musicista sappia ricreare dal vivo quello che costruisce in studio, con più gente oltre che con più tempo. Nel pub la gente beveva e chiacchierava, noi eravamo riuniti ad ascoltare una donna che cantava, parlava di sé e si raccontava con calma ed eleganza, quasi sottovoce. Fuori c’erano quelli che si divertivano, dentro noi, attorno ad un focolare, a raccontarci ed a lasciarci coinvolgere da una tizia che ha tanto, tanto da dire.

Un concerto scuro e personale, dei brani intensi e toccanti. Kristin McClement ricorda vagamente una versione cupa e dimessa, soffice e malinconica di Julia Holter. Scrive brani raffinati e complessi, utilizzando tempi insoliti e sincopati e variazioni ritmiche, melodiche e sonore; nella sua musica c’è molto di più che semplici “canzoni”, non c’è la ripetizione di strofe e ritornello, ma soprattutto c’è un faro imprescindibile, quello di raccontarsi, di comunicare, di esprimersi e di coinvolgere chi è disposto ad ascoltare. Kristin McClement non è una che cerca di mostrarsi originale perché originale lo è veramente, e non è una che strilla e sgomita per farsi ascoltare, perché vuole raggiungere chi vuole sentirla e lasciarsi cullare pacificamente dalla sua musica, dai suoi testi e dalla sua bellezza.

Serata superba, impreziosita da una coda in cui Kristin ha venduto e firmato qualche copia del suo materiale (CD ed EP, niente vinile mannaggia!) e scambiato impressioni con chi voleva parlare con lei della sua musica. Gentilissima, sorridente, disponibile, interessata e sinceramente colpita dalle parole di apprezzamento che riceveva.

Che dire? Grazie a Teresa per avermela fatta conoscere, grazie al Black Market, ad Unplugged In Monti e soprattutto grazie a Kristin McClement per un concerto morbido, elegante e malinconico. Bellissimo.

Someday

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Silence
He is here
Close to me
Warm
Not like me
Love is blind

Sembra una poesia: verso libero, nessuna rima, una piccola serie di immagini crude e dolcissime, l’abbandono ad un sentimento totale e soverchiante, e chiusura col cliché per impreziosire il quadro. Ma non è una poesia: è la tracklist di un disco, dal brano numero 5 alla chiusura. “Love is blind”, uno dei capolavori del gothic/dreampop, dopo due album in qualche modo diversi ed in qualche modo contigui, entrambi altrettanto se non addirittura più belli, di una delle band migliori del genere, i Claire Voyant: eterei, malinconici, ariosi e cupi, ventosi, autunnali. Una band raffinata e discreta, elegante ed incorporea, notturna e morbida, un trio di folletti, musicisti capaci ed artisti veri, capitanati da una vocalist impossibile, una voce inconcepibile, indescrivibile, mostruosa, una potenza sbalorditiva, una delicatezza struggente, una duttilità sconfinata, un calore soffice ed avvolgente, una capacità espressiva sconcertante, devastante, che i suoi compagni d’avventura sfruttano nei suoi toni più scuri, vellutati e velati e nei suoi angoli più forti e drammatici, senza essere mai forzati o patinati.

Victoria Lloyd non è una grande vocalist. Victoria Lloyd è la voce. Tutta la voce, l’alfa e l’omega. È inimmaginabile che possa esistere qualcuno più bravo di lei, qualcuno in grado di toccare corde oltre le sue; è finanche incomprensibile che possa esistere lei. Ci può essere qualcuno che canta cose più coinvolgenti di lei, ma qualcuno che canta in modo più coinvolgente di lei è solo e semplicemente escluso. Se esiste un’espressione terrena della divinità, è la voce di Victoria Lloyd, è Victoria Lloyd che canta: bella, straziante, travolgente, dilaniante, assurda, impossibile, meravigliosa. Bellezza e intensità, dolore ed estasi allo stesso tempo. La vita. L’universo e tutto.

Come ogni divinità che si rispetti, la voce di Victoria Lloyd illumina il mondo da un’altezza irraggiungibile per chiunque altro, mentre l’umanità può solo avvicinarsi a quello che lei fa con disinvoltura, ma si manifesta in tutta la sua inconcepibile potenza solo di rado e con un preavviso sottile. E quando succede non ci si alza più.

Ascoltare lo special di “Love the giver” è come farsi strappare il cuore dal petto. Una dimensione drammatica intensissima, elevatissima, insopportabile. È semplicemente troppo, è anche difficile capire davvero cosa sta succedendo e, dopo, conservare un’impressione nitida di ciò che si è attraversato, del fuoco in cui si è stati gettati, si è solo frastornati e sconvolti, da un lato desiderosi di averne ancora, dall’altro stravolti, esausti e quasi perplessi dopo venti secondi di tutto. Poi ognuno ha i suoi punti deboli, ognuno può scegliere da cosa farsi abbagliare e distruggere, si potrebbe dire lo stesso per il tempestoso il ritornello di “Her”, per quello drammatico e pomposo di “Silence“, per il solenne e tragico finale di “Elysium”, per i tenerissimi eppure strazianti bridge ed ultimo ritornello di “He is here” e per la stentorea ed dolorosamente amara chiusura di “Someday” – tutti, tutti frammenti paralizzanti a cui Victoria Lloyd conduce per mano attraverso minuti meravigliosi: la divintà non si palesa mai all’improvviso.

Già, “Someday”. Il finale di “Someday”. Una canzone distesa, sei minuti e mezzo, con strofe lunghe dallo sviluppo lento, quasi prolisso, cantate in modo triste e lamentoso, quell’improvviso alzarsi e calare sul fine verso che è un po’ il marchio di fabbrica dei migliori Claire Voyant, ed interrotte da un ritornello secco e potente, cupo, disperato, un crescendo che tende lentamente, diffusamente, inesorabilmente alla chiusura gloriosa e dilaniante, magnifica e disperata. Una fine che viene prima vagamente evocata, poi suggerita, tratteggiata, e quindi, quando si attende solo l’esplosione, eccola che parte, che deflagra, che mostra lo sfogo, il grido devastante, alla nota che chiude con la catarsi, tradita e spezzata, con un calo dimesso e spiazzante, l’urlo si strozza, rimane in gola, disorienta, ferisce, abbandona.

Il paradigma del mondo in un paio di minuti. Il divino è nei dettagli, e chi se non Victoria Lloyd dovrebbe saperlo?

Cat Power: “The greatest”

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Chan Marshall, in arte Cat Power, è un’icona nell’ambiente della musica indipendente, soprattutto in America. Capita quindi spesso, frequentando siti e forum che si occupano dell’argomento, di leggere recensioni, presentazioni ed opinioni sui suoi dischi, sui suoi concerti e su di lei in generale.

“The greatest” è il suo album del 2006, il primo di inediti dopo 3 anni, e l’ultimo per circa 6. Nel suo curriculum segue nell’ordine “Moon pix” e “You are free”, considerati generalmente i suoi capolavori, le sintesi della sua musica, tanto che sono i due titoli che vengono solitamente consigliati urbi et orbi a chi vuole le si vuole avvicinare ed a chi la vuole approfondire. “The greatest” rappresenta anche una leggera svolta nella carriera di Chan Marshall, che con questo album passa ad un suono leggermente più pieno, più da band, con una sezione di fiati ed un approccio generale che la avvicinano vagamente al soul con qualche venatura jazz.

Quando si parla di questo disco normalmente la sintesi delle opinioni che vengono espresse è “bello, ma…”. Bello, ma non all’altezza dei suoi capolavori. Bello, ma distante dal tipico stile Cat Power. Bello, ma non convincente. Bello, ma meno intimista dei suoi lavori più riusciti. Bello, ma discontinuo, con due capolavori come pezzi d’apertura e di chiusura, ed un corpo meno brillante.

Tutto vero. Solo che per me “The greatest” è bello e basta.

Il pezzo introduttivo, la title track, è qualcosa che semplicemente non si può descrivere a parole, una canzone che rasenta la perfezione, probabilmente da sopra. Tre minuti e ventidue secondi di bellezza, di emozione, di sensualità, di struggente malinconia, di profondità. “The greatest” è un pezzo che vale una carriera, forse una vita: una persona capace di scrivere un brano così è giusto che faccia la musicista, che dedichi sé stessa a comporre, suonare e cantare, anche dovesse non scrivere mai più nient’altro di paragonabile. Anche il finale è fantastico, ed a questo proposito la supposta discontinuità del disco altro non è che un semplice limite umano: non esiste un album di canzoni che sia composto da 12 pezzi del livello di “The greatest”, non esiste una persona in grado di scrivere 12 brani del genere di seguito, se esistesse sarebbe il dio della musica, ed è comunque tutto da vedere se un album così sarebbe poi davvero fruibile.

Il problema di “The greatest” inteso come disco, semmai, è che il capolavoro, il pezzo sopra a qualunque altra cosa, si trova all’inizio dell’album, e quando raggiungi la perfezione subito poi non puoi che scendere. E non hai nemmeno il tempo o il modo di far avvicinare chi hai avanti a ciò a cui arriverai. Per questo, forse, il prosieguo delude la gente: come fai, quando hai perso la verginità con miss college, ad accontentarti delle tue carinissime compagne di corso? Ti ci vuole un po’ per riprenderti: non è semplicissimo, se parliamo di un disco di 42 minuti.

Però le 10 canzoni successive sono in gran parte belle davvero: scure, malinconiche, a volte un po’ dimesse, alcune bizzarre con i loro fraseggi dei fiati, ma quasi sempre seducenti, affascinanti – mentre l’undicesima, “Love and communication” ritorna prepotentemente in cima, bellissima, sensuale. Ma non è questo esattamente il punto.

Il punto è che “The greatest” sarebbe un bel disco anche senza la title track, una canzone di una tale bellezza che riesce sovrastare inesorabilmente il resto. Con la title track come primo pezzo, ondeggia tra un bell’album impreziosito da una gemma quasi dolorosa per quanto è speciale e per quanto poco dura, ed un costante sottofondo di amarezza perché, quando lo si ascolta, dopo i primi 30 secondi si è convinti di essere stati presi e trasportati in un’altra dimensione, ed invece siamo ancora sulla terra, nel mondo reale. E nel mondo reale i dischi, soprattutto quelli di persone strane ed un po’ problematiche, sono tante cose, ma certo non sono perfetti, e sono interessanti proprio per questo: per le storie che raccontano, per le persone che ci sono dietro e che parlano di sé. Qualcosa che Chan Marshall sa fare davvero molto bene.

Sharon Van Etten live @ Circolo degli Artisti, 7/12/2014, Roma

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Una volta, il capo della tribù dei Poohawks organizzò una festa per celebrare l’anniversario del suo comando. Avendo affidato la logistica e la vendita dei biglietti al guaritore/stregone, andò a chiedergli come andava la partecipazione: “a meraviglia! 8 quasi certi 6 probabili, 5 quasi venduti e 11 richieste di informazioni. Di questo passo, si può anche pensare di riuscire a venderne almeno uno”.

È più o meno quello che mi è successo mentre negli ultimi giorni ho cercato di metter su una compagnia per andare a vedere il concerto di Sharon Van Etten al Circolo degli Artisti. Alla fine ero quasi convinto che, tra i tanti “non no” ricevuti, almeno una persona sarebbe sopravvissuta. E invece no: zero.

A me Sharon Van Etten non dispiace. Non mi reputo veramente un suo fan, ma la trovo brava ed intrigante, con quel cantato malinconico e un po’ lamentoso, quella musica che nasce come folk ma che al momento ha più toni da indie rock, elegante, scura e dimessa, che anche quando si scioglie resta sofferta e sofferente e quei dischi raffinati, molto ben delineati emotivamente, autunnali e piovosi, morbidi e liquidi. A tratti ricorda vagamente Cat Power, ma a naso senza i problemi personali di Chan Marshall. Ci tenevo ad andarla a vedere per due motivi: primo, perché ultimamente di gente del suo livello a Roma ne è venuta pochina, ed è sempre un piacere incoraggiare e foraggiare certi progetti – a maggior ragione ora che sappiamo ufficialmente che siamo governati dalla mafia; secondo, perché pensavo che gli ingredienti della sua musica, la voce, l’approccio alla creatività, la capacità di creare tappeti musicali e di ambientazione così calibrati, dal vivo potessero contribuire a far venire fuori qualcosa di buono.

Mi sbagliavo. Per difetto e di parecchio. Il concerto è stato sorprendente e Sharon è stata magnifica.

Quando suona le somiglianze musicali ed espressive con Cat Power si accentuano: toni scuri e pessimisti, espressione potente e travolgente, una band solida e mai fuori posto al servizio di una persona, di un’artista intensa e luminosa. La voce è completamente diversa, tuttavia, brillante e per nulla roca, e Sharon la usa con note strascicate e cali di tono a fine verso, su accordi minori, per costruire quell’atmosfera cupa e vagamente claustrofobica, quasi spaventata che la contraddistingue. Anche la fisicità e la presenza scenica sono diverse da quelle di Chan Marshall: Sharon è piccolina, magra magra, capelli neri sul viso, a suo modo molto sensuale; sul palco gioca, scherza, chiacchiera, pur senza mai intaccare o modificare la sua travolgente vena espressiva. Forse ricorda più PJ Harvey da questo punto di vista, che tuttavia magari ha tinte nerastre, ma non assume mai questo colore blu notturno, intenso, caldo e soffice.

Sharon Van Etten è semplicemente bravissima, coinvolgente, profondamente umana ed empatica. Il concerto, incentrato per lo più su suo ultimo lavoro, “Are we there?” (l’apertura con “Afraid of nothing” è stata devastante, meravigliosa, un paradigma di quel che ci aspettava), e con incursioni nel passato prossimo, un paio di pezzi inediti e la cover di “Perfect day”, è stato magnifico, malinconico e bellissimo, con punte davvero accecanti, pur nella loro totale morbidezza e tranquilla sensualità. Per quello che mi riguarda, già a metà del primo brano avevo capito che avrebbe potuto continuare a suonare fino alle quattro e mezza del mattino, coccolandomi con quella musica e con quella voce, tristi e stupende, non mi avrebbe stancato mai. Peccato quindi che il tutto sia durato poco più di un’ora e venti, bis compresi. Fosse durato una quindicina di minuti in più sarebbe stato un concerto da dieci.

Dovrebbe prendere seriamente in considerazione l’idea di pubblicare un disco dal vivo, Sharon Van Etten, magari anche di un DVD. O almeno di iniziare a far girare video dei suoi concerti in buona qualità su youtube. Perché dal vivo è ammaliante, vivida e davvero singolare. Imparagonabilmente meglio che su disco.

Brava, brava, brava! B-R-A-V-A! Alla faccia di chi non ci è venuto!

Lana Del Rey: “Born to die”

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Born to die, CD, disco, erotismo, indie pop, Lana Del Rey, languore, mainstream, malinconia, musica, pop, recensione, sesso droga e rock n'roll, vocalist, voce

Lana Del Rey, un tempo troione più o (soprattutto) meno maggiorenne, nota più per le molteplici frequentazioni nel jet set americano, per il dissipato stile di vita sesso droga e rock n’ roll(er) e per le ridicole labbra al collagene che per la supposta professione che ce l’aveva portata – a parte quella di oggetto sessuale di chi poteva permettersela – adesso fa la cantante. E ‘sti cazzi, dirà qualcuno. Lo dissi anch’io, tempo fa, prima che un blogger, che a volte non sa quello che dice ma sa convincerti ad ascoltare un pezzo che ama, me la facesse scoprire.

La prima volta che sentii “Born to die” mi piacque, ma non scoccò la scintilla. Una cosa tipo “bello: a che serve?”. Dopo qualche altro tentativo, il disco finì per scivolare nella pletora di album carini ma non abbastanza attizzanti da riuscire a ritagliarsi uno spazio in mezzo alla troppa roba che ascolto. Mi ricapitò di sceglierlo sul lettore mp3 una domenica mattina in cui ero poco lucido mentre, con la barba fatta malissimo a causa del proditorio tradimento del rasoio, mi recavo in autobus al centro commerciale per comprare frettolosamente un rimpiazzo.

Si dice che il tempismo sia tutto: beh, io dopo quella mattina la Del Rey non l’ho più lasciata. Adesso di “Born to die” ho addirittura l’edizione speciale, detta “Paradise edition”, contenente la versione estesa del disco originale (15 tracce invece di 12) più un secondo CD con 8 brani inediti. Non l’ho vista al Palaeur a causa della mia idiosincrasia verso i concerti mainstream che si fanno pagare cifre folli in luoghi con un’acustica raccapricciante. Ed anche perché temo che quel tipo di musica e quella voce non rendano molto bene dal vivo.

Il disco non è iper-prodotto: è iper-super-mega-prodotto. Ma il suono perfetto e vagamente (vagamente?) patinato è l’unico vero difetto che ha. La voce di Lana è quella che è: poca. Ma cazzo se la sa usare!

Buona parte del cantato è su toni bassi – talvolta molto bassi – e disinvolti, non è solo lei che li prende facilmente, quasi chiunque ci riuscirebbe. Verrebbe da dire toni da conversazione, se non fosse che una che ti parla così la sbatti contro il muro non appena ti ha salutato: una voce liquida, lasciva, erotica. Quando si alza, passa ad un semi-sussurrato (proprio perché i mezzi non ci sono) morbido, dolciastro e lolitesco che, dopo averla attaccata alla parete, ti conduce dritto alla figura di merda causa scarsa durata. Languore, sesso e coccole. Troppa roba.

La musica è principalmente un pop moderno lento e sofisticato, per lo più dimesso, maliconico e scuro – quando qualche canzone si scioglie e accelera sembra quasi fuori posto. Dentro ci si trovano alla perfezione toni e testi da ragazza cattiva o, peggio, da giovane fanciulla ingenua vittima degli altri e delle proprie deplorevoli inclinazioni, messi lì da una che conosce molto bene l’argomento, con qualche estemporaneo momento di tenerezza vera, spontanea, mai trita o retorica.

La cosa davvero incredibile è che a tutto questo si aggiunge che ogni singolo pezzo, sovente già buono di per sé, contiene la killer line, il frammento che ti entra dentro, ti prende per la colonna vertebrale, ti scuote su e giù, avanti e indietro, ti travolge e ti lascia sfinito e soddisfatto. A volte è il ritornello, altre il bridge o l’inciso, in alcuni casi si tratta di piccole sequenze sparse per tutta la canzone. Attimi maestosi. Che, per di più, Lana sa prendere, interpretare: ti tira fuori lo scossone, ti tiene lì, elettrico e smanioso di averne ancora e poi se ne va, pronta a tornare mezzo minuto dopo. Qualcosa che non si può simulare con la produzione o costruire ad arte in laboratorio, deve venire da dentro, dalla profondità e colpire, devastare e lasciare a terra. Altro che patinatura!

Che dire? Se tutte le pop star svociate e un po’ zoccole fossero capaci di raggiungere queste vette, queste profondità umane, il mondo sarebbe un posto migliore. Mi accontenterei anche del 30%.

The Hermit ft. Allison Shevernoa: “Flutterbye”

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Di solito parlo solo di opere complete, quindi in ambito musicale di dischi, perché ritengo che un artista che decide di pubblicare un album intero, per quanto composto di singoli momenti, a volte anche molto brevi e slegati l’uno dall’altro, lo fa con un intento espressivo unico. E comunque, anche se magari questo è vero fino ad un certo punto, un disco contiene la summa di un presente, magari molto lungo, un pezzo di storia che si apre e ad un certo punto viene ritenuto finito e chiuso.

In questo post vengo meno a questa abitudine per parlare di un singolo brano. Il pezzo è contenuto nell’album di tali The Hermit intitolato “Wonderment”, pubblicato nel 2005. The Hermit all’epoca di fatto era un tizio canadese, Hamish Thompson, che scriveva pezzi e si avvaleva di collaboratori per realizzarli. Hamish Thompson è uno dei compositori col dono: uno che riesce a prendere un musicista e a tirargli fuori l’anima, a farlo esprimere su livelli emotivi che normalmente può solo sognare. Ce n’è di gente così: altri si chiamano Arjen Lucassen, Billy Leeb e Rhys Fulber.

“Wonderment” è un signor disco. Atmosfere tranquille, suoni eleganti e per lo più rilassanti, 10 brani, alcuni strumentali, gli altri cantati quasi solo da donne. Al numero 3, dopo un ottimo pezzo introduttivo ed una strumentale semplice ed immediata, arriva la valanga. Canta Allison Shevernoa (leader del gruppo indie-folk Paper Moon), accompagnata da chitarre, basso, batteria, tappeti e rumori vari: la canzone si chiama “Flutterbye” e dura circa sei minuti. Riporto il testo di bridge e ritornello:

Sleep baby, sleep
Live in your dreams
You don’t have to be ready for this life
Watch all that sadness flutterbye
Escape another night

If only my arms were wider
If only I could hide you from your troubled mind
So you could get some sleep tonight
If only my arms were wider
If only I could hide you from your troubled mind
So you could get some sleep tonight

Amore e disperazione. Una melodia che spazia dalla supplica – perché quello di dormire e rifugiarsi nei sogni non è un consiglio, ma una preghiera affinché sia possibile – alla dilaniante impotenza di fronte al dolore di una persona amata che si affligge e si tortura. Il tutto cantato da una voce malinconica, carezzevole, pastosa e dolcissima. Una bellezza sconfinata, impossibile, insopportabile, una tristezza dolorosa, oppressiva, devastante.

Un pezzo emotivamente spossante, ne esco esausto e letteralmente spezzato a metà, un’esperienza da centellinare con cura, da fare solo una volta ogni tanto, se si vuole vivere una vita almeno decentemente felice, ma da assaporare a fondo, goccia dopo goccia, istante dopo istante, immergendosi nel tunnel e lasciandosi trasportare da un treno lanciato a velocità folle, sperando che quella che si vede in fondo sia l’uscita, e non un altro treno che procede in senso contrario. O magari che sia un treno, perché a volte affrontare il dolore fa bene, è catartico.

Una delle più belle canzoni mai scritte.

15 brani, 78 minuti

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1. Cat Power: The greatest (da “The greatest”, 2006)
2. Sia: Sunday (da “Colour the small one”, 2004)
3. Julia Holter: In the same room (da “Ekstasis”, 2011)
4. Nadine Shah: Dreary town (da “Love your dum and mad”, 2013)
5. Laura Marling: The beast (da “A creature I don’t know”, 2011)
6. London Grammar: Strong (da “If you wait”, 2013)
7. Delerium: A poem for Byzantium (da “Poem”, 2000)
8. Mazzy Star: Five string serenade (da “So tonight that I might see”, 1993)
9. Jesca Hoop: Deeper devastation (da “The house that Jack Built”, 2012)
10. Mostly Autumn: Carpe diem (da “Storms over still water”, 2005)
11. Braids: December (Da “Flourish / Perish”, 2013)
12. Sharon Van Etten: Magic chords (da “Tramp”, 2012)
13. Nick Cave And The Bad Seeds: O children (da “Abattoir blues / The lyre of Orpheus”, 2004)
14. Rachael Yamagata: Sunday afternoon (da “Elephants… Teeth sinking into heart”, 2008)
15. A-Ha: Soft rains of April (da “Scoundrel days”, 1986)